Cet article a été publié pour la première fois en anglais sur le site web de :
Pourquoi j’aime l’art de la performance, par Sunny Buick
J’ai étudié l’art de la performance à l’université au début des années 1990. J’étais déjà curieuse. Ma première performance a eu lieu à l’âge de 15 ans, lorsque j’ai été invitée à participer à une performance le jour de la Saint-Valentin. Je me souviens vaguement qu’il y avait deux « infirmières » et un « patient », ainsi que des sacs de faux sang (je tenais le sac de plasma). À l’université, j’ai essayé un cours d’improvisation théâtrale, puis j’ai passé des auditions pour certaines productions scolaires, mais je détestais le rejet que je ressentais après avoir passé des auditions et ne pas avoir obtenu de rôle, alors j’ai cessé d’explorer mon désir de m’exprimer à travers la performance. Je préférais ce qui se passait dans mon cours d’improvisation ou dans la troupe de danse moderne dont je faisais partie. Plus tard, je me suis orienté vers les arts visuels et j’ai commencé à gagner ma vie en tant que tatoueur. Aujourd’hui, je reviens à mes racines et je crée à travers la performance. Voici quelques-uns des artistes de performance que j’ai étudiés à l’école, qui m’inspirent énormément, et un que je viens de découvrir récemment, Kalup Lindy.
Guillermo Gomez Peña
La performance que je préfère de Guillermo Gomez Peña est « Border Brujo », tirée de la collection « Border Art Classicos » filmée en 1989, avec un magnifique décor représentant un autel mexicain et populaire créé par Félipe Almada. Gomez Peña, qui vit entre les États-Unis et le Mexique, a déclaré que la langue est la frontière qui nous sépare tous. « Je suis venu suivre ton rêve et ton rêve est devenu mon cauchemar », faisant référence au rêve américain que tant de Mexicains considèrent comme un moyen d’échapper à leur condition sociale. D’une voix de « wetback » vato, il dit : « Je parle espagnol, donc tu me détestes, je parle anglais, donc ils me détestent, je parle spanglish, donc elle parle englino, je parle en langues, donc tu me désires ». En tant que binational, il est en proie à un chaos de contradictions et de conflits internes. Il navigue dans la performance avec différentes voix, chacune représentant les stéréotypes de sa culture. Une partie ressemble à une prière catholique, en faux latin. Il parsème également son discours du langage du futur, utilisant des mots tels que « cyber », « électronique », « international », « mondial » et « réseau international ». Il dit « nous sommes ici pour rester ». Il utilise des accessoires mystiques comme brûler de la sauge, allumer des bougies, boire de l’alcool dans une bouteille de shampoing. La musique de fond est souvent une guitare blues, son énergie sexuelle est brûlante. Il évoque une certaine forme de racisme, celle de l’exotisme sexuel : « Je ne suis pas votre guide touristique à travers l’altérité indéterminée », « Ce n’est pas un safari tropical à Palenki ou en Martinique, et encore moins un séminaire privé sur les relations interraciales ». Avec un faux accent de bon vieux garçon, tout en portant un boa en plumes roses, il dit : « Non, je n’ai pas de carte verte, j’ai simplement été engagé par cette galerie ». Plus tard, il joue le rôle d’un agent des services frontaliers, avec des lunettes de soleil noires réfléchissantes, mais aussi un bandana rouge noué autour de la tête, à la manière d’un « gangster ». Sous un masque de luchador, il parle d’être « paralysé par la nostalgie chimique ». À un moment donné, il utilise un faux accent hindou (peut-être est-il souvent pris pour un Indien ?). Tous ces personnages racontent une histoire riche sur les relations raciales entre les Américains et les Mexicains.
« El Naftazteca ; Cyber-Aztec TV pour l’année 2000 après J.-C. Expérience de transmission pirate dans une émission télévisée interactive en direct » a été filmé en vidéo dans les studios iEAR. « CyberVato », interprété par Roberto Sifuentes, collaborateur de longue date, en tant que coanimateur et acolyte. Des poulets vivants errent dans le studio lors d’une séance de « vaudou interactif ». Le numéro de téléphone à appeler clignote à l’écran et vous entendez les appels téléphoniques du public qui posent des questions insultantes et racistes ou louent l’audace des pirates. Guillermo dit « revenons à l’âge d’or du multiculturalisme », peut-être a-t-il prévu le danger de l’appropriation culturelle et le type d’autocensure dans lequel nous vivons actuellement. Il proteste en disant que « nous ne sommes que des créatures mythiques issues de vos peurs culturelles et de vos désirs érotiques » et « combien de langue espagnole votre psyché cultivée peut-elle tolérer avant de vous sentir obligé de changer de chaîne ? Testons votre tolérance à l’altérité linguistique ». Pendant que CyberVato traduit en espagnol avec un fort accent américain, El Naftazteca parle anglais avec un fort accent mexicain. Imaginez combien de personnes ne comprennent rien au discours ! Ils jouent avec le stéréotype du Mexicain ivre, une voix informatisée nous absout : « vous n’êtes pas responsables ». Des effets spéciaux hypnotiques plongent le spectateur dans une transe : « souvenez-vous de votre premier traumatisme ». Ou peut-être assistons-nous à l’hypnose de Guillermo, qui se transforme en cafard. Gomez Peña montre de vieux films de famille des années 1950 montrant des fêtes costumées délirantes, expliquant qu’Il est issu d’une famille de gens de théâtre. Il se qualifie lui-même d’«Aztèque high-tech».
Découvrez le livre Exercises for Rebel Artists- Radical Performance Pedagogy, qui traite de son collectif d’artistes performatifs : La Pocha Nostra, un laboratoire d’activisme artistique créé par Gomez Peña en collaboration avec Roberto Sifuentes.
Spalding Gray
Spalding Gray est un acteur et artiste de scène surtout connu pour son film primé, Swimming to Cambodia (1987). Dans ce spectacle d’une heure, seul sur une scène dépouillée, avec des effets sonores et lumineux, Gray raconte son expérience en tant qu’acteur dans le film The Killing Fields, réalisé par Jonathan Demme.
Gray a perfectionné l’art du monologue. Personne n’aurait pu imaginer rester rivé à son siège pendant une heure pour écouter un seul artiste. C’est là tout le pouvoir de son talent de conteur. Je le trouve incroyablement inspirant et j’imagine qu’il a inspiré la plupart des artistes dont je parle dans cet article.
Monster in a box est un monologue d’une heure sur le livre de 1 800 pages que Gray a écrit au sujet du suicide de sa mère. Drôle, tragique, profondément personnel, Gray affirme : « Je ne peux pas inventer ces choses ! » Il parle des conflits auxquels il est confronté entre son éducation chrétienne scientifique et son existentialisme freudien new-yorkais.
Gray’s Anatomy – Le style narratif de Gray est linéaire, autodérisoire et drôle. Il utilise des accents et est doué pour imiter certains des personnages de ses histoires. Le réalisateur Soderbergh utilise l’éclairage, les changements de décor et la fumée pour créer une atmosphère et des transitions. Pourtant, il ne reste que Spaulding, assis à un bureau, avec un verre d’eau et son cahier, qui vous raconte son histoire. L’histoire de sa cécité de l’œil gauche, de sa recherche d’alternatives à la chirurgie et de toutes les aventures folles qu’il accepte de vivre, à la recherche soit de matière pour écrire, soit d’une guérison profonde d’un traumatisme ancien. Sa vie est surréaliste, les personnes qu’il rencontre sont surréalistes. Sa maladie est une métaphore de ses luttes existentielles. Les choses qui lui arrivent sont si étranges qu’on dirait qu’il raconte un rêve. Vous pouvez le regarder sur YouTube.
Spalding Gray s’est tragiquement suicidé en 2004, après un accident de voiture et une blessure au crâne qui ont aggravé ses problèmes de dépression existants.
Kalup Linzy
Je viens de découvrir Kalup Linzy récemment, lorsque j’ai lu un article sur la Queen Rose Art House sur le blog Hyperallergic. https://hyperallergic.com/720633/kalup-linzy-bought-a-house-and-is-sharing-it-with-artists/ Linzy a utilisé sa bourse du Tulsa Artist Fellowship Grant et, au lieu d’investir dans un film qui, selon lui, « personne ne verrait ou ne s’y intéresserait », il a acheté une maison afin de créer un lieu de résidence, de travail et de performance. Il a décidé que la meilleure façon d’aider d’autres artistes et de faire bouger les choses dans le monde de l’art pour des gens comme lui était d’offrir un lieu sûr, tout en espérant laisser une trace derrière lui.
Kalup Linzy est un musicien et un artiste incroyablement polyvalent. Il a réalisé plusieurs séries vidéo de type « soap opera » sur les dysfonctionnements et les drames familiaux, les difficultés d’acceptation, les ruptures et l’intervention d’autres membres de la famille, en particulier la grand-mère/matriarche. Dans « Conversations Wit De Churen- Da Young and Da Mess », Linzy joue tous les personnages (chacun avec une voix et une physicalité différentes) ou, si quelqu’un d’autre incarne un personnage, la voix de Linzy est synchronisée. Il est très doué pour jouer avec différents dialectes, utilisant la technologie pour modifier le timbre de sa voix, et faisant appel à des amis et des non-acteurs pour réaliser des films DIY qui ressemblent à des « émissions de télévision communautaires ». Les critiques d’art le considèrent comme un « manipulateur de genre ». Roberta Smith, critique d’art au New York Times, écrit qu’il « transforme l’expérience noire en une forme complexe de conscience de soi ».
Il explique que « les personnages originaux — Jada, Labisha, Taiwan et Nucuavia — sont tous issus de ma thèse. Nous avons dû nous pencher sur l’histoire familiale, la culture pop, l’histoire de l’art, les archétypes et les stéréotypes ». Kalup Linzy est scénariste, interprète, monteur et producteur de ses propres films. Il s’agit simplement « de m’enfermer dans ma chambre et de laisser libre cours à mes pensées ». https://bombmagazine.org/articles/kalup-linzy-1/
Autres séries vidéo
As da Art world might turn
Ozawa and Katess
Romantic Loner – un long métrage. Lors d’une résidence d’artiste au Headlands Center for the Arts, Linzy discute avec Dieu de sa quête de l’amour-propre, après/pendant ses obsessions pour ses ex. Filmé en voiture le long de la côte près de la résidence. Un journal intime sur la solitude, le fait de boire seul (en philosophant), le besoin désespéré des autres, d’un contact ou d’une connexion. Il chante des chansons qui racontent ses sentiments, comme dans « Crossing the threshold (on my soul) », où il s’inquiète du fait que nous naissons seuls et mourons seuls. Certaines parties du film sont soft pornographiques, et la qualité de la production est légèrement meilleure (apparemment, il a enfin pu s’offrir une meilleure caméra).
Annie Sprinkle
Annie Sprinkle a commencé comme star du porno et prostituée. Elle a connu une évolution personnelle impressionnante et est aujourd’hui titulaire d’un doctorat de l’Institut d’études avancées sur la sexualité humaine. Elle a également créé un nouveau mouvement environnemental appelé Ecosexual.
Pour préparer cet article, j’ai regardé « Spitfire », l’un des premiers films pornographiques d’Annie Sprinkle, à la Bibliothèque nationale de Paris. Elle n’y tenait qu’un petit rôle, mais elle se démarquait vraiment. Elle jouait le rôle d’une secrétaire habillée dans un style presque vintage, avec une coiffure qui ressemblait à celle d’une des membres du groupe B52’s. J’ai également pu regarder Bubbles Galore, un film softcore de 1996 réalisé par Cynthia Roberts, dans lequel Annie joue le rôle de Dieu et chaque fois qu’elle est excitée, les humains sur terre se retrouvent dans des situations érotiques. Nina Hartley incarne une réalisatrice de films pornographiques qui se lance dans une course pour réaliser un nouveau film avec son ancien amant violent et rival.
Après sa carrière dans le porno conventionnel, Sprinkle s’est mise à explorer des films sexuels alternatifs et pervers, s’éloignant un peu de la scène porno hétéro. En 1982, Sprinkle a commencé à réaliser ses propres films pornographiques. Ce n’est qu’après cela qu’elle a décidé de devenir artiste et s’est lancée dans ce qu’elle appelle l’« art porno ». C’était à peu près à la même époque que la sortie du film « War is Menstration Envy » de Nick Zedd, dans lequel Sprinkle a joué un petit rôle, aux côtés d’autres légendes de la scène artistique underground new-yorkaise. Zedd était le fondateur de ce qu’on appelle le « théâtre de la transgression », pour lequel il a rédigé un manifeste.
À 44 ans, Sprinkle cesse de s’épiler. Elle s’intéresse de plus en plus à la spiritualité et crée ce qu’elle appelle la « medibation », un mélange entre masturbation et méditation.
Dans ses performances, Sprinkle adopte souvent une approche éducative, avec une présentation de type PowerPoint ou en racontant l’histoire d’amour entre la première transsexuelle F à M. Son « Post Porn Modernist » est un film composé de courts extraits de diverses performances, comme celle qu’elle a réalisée au Carnival of Sleaze en 1988 à The Kitchen, un lieu dédié aux arts performatifs à New York. Parfois, elle se produit sur scène dans un décor de chambre à coucher, invitant le public à venir voir son col de l’utérus, à la diriger dans une séance photo, ou elle joue avec humour avec son ballet des seins. La plupart de ses performances sont mignonnes, drôles et plutôt attendrissantes, à l’exception de celle intitulée « 1000 blowjobs », dans laquelle elle pratique la fellation sur une série de godes de différentes tailles et couleurs fixés à un panneau, accompagnée d’une bande sonore peu agréable composée de commentaires obscènes et insensibles faits par des hommes.
Annie est une femme sans complexes, qui brise tous les tabous. Elle « éclaire » son public sur le caractère sacré du sexe, de l’amour et de la nature.
Cet article a été publié sur mon site en anglais le 23 août 2023.